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当艺术家们在轰轰烈烈地闹“现代主义”和“几何派”（中国在闹五四运动）的时候，德国设计师沃尔特·格罗皮乌斯［9］开始雄心勃勃地创立包豪斯学派（Bauhous School）。还是德国人够狠。说它是学派并不太准确，那简直就是个“公社”，他们的理想就是让所有的人都有房子住。房子当然是要按照他们的意思盖，新材料，新技术，便宜。可不知道为什么，当年那些便宜的“完美劳工住宅”在今天的中国却全都变成了昂贵的“某某豪庭”，或者“某某花园”。（中国人不知道从什么时候开始，突然就变得大方起来了；原来的“寒舍”、“陋室”、“草堂”什么的都不叫了，全改“华府”、“豪庭”了，满街“欧陆风格”看起来相当有钱。）这大概就是现代设计的力量吧？
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但至少有一点，他们兑现了诺言：这个世界的确被改变了。只要我们抬头看看烟雾朦胧中的现代城市的天际线，我们就不得不承认这一点。我也不知道这里面究竟发生了什么，总之，它和我们儿时看到的不一样了。假如有人告诉你，现代设计使我们的生活变得更加合理而且美好，你究竟该不该相信呢？
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不管怎样，我们的生活中总是充斥着各种各样的现代设计品，躲都躲不及。虽然那些东西有的你喜欢，有的你讨厌，但你也觉得确实是给你带来了一些方便。尽管你有时要为“方便”付出很大的代价。
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当我们的生活被设计师们填满了的时候，艺术家们也很快地找到了窍门。现在的艺术家很少再追问艺术了，都把自己的东西弄得跟限量出售的产品似的，好等着批量地卖。当然，要卖个好价钱，和设计师的合作也是必不可少的，要有好的空间展览，也要有好的画册和杂志去宣传。
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在今天看来，波普艺术似乎成了艺术与设计这两个领域最大的连接点。它的成功，使得艺术通过设计得到广泛普及，也使设计进入纯艺术领域成为现实的可能。甚至，我们会面临这样的问题，你无法判断它究竟应该是艺术还是设计。
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艺术和设计的界线变得越发模糊。
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也就是在设计在生活中泛滥成灾的时候，开始轮到设计师发出“追问”了，就像曾经“追问”的艺术家一样，今天的设计师对于观念也相当地执著。
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2006年初，深圳OCAT当代艺术中心和上海比翼画廊联合举办了“人文触觉：荷兰Droog大师设计展”。整个展览在我看来，带有一股明显的艺术化倾向，同时也对设计中泛滥的物质主义色彩提出了批评。
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在由旧厂房改造成的OCAT当代艺术中心的宽大展厅里，摆在门口的第一件展品，是提奥·林美（Tejo Remy）1991年创作的碎布椅。那完全是用废弃的碎布和旧衣服做成的一对椅子。这对椅子昭示着一种立场，那就是，对物质主义和社会的过度生产进行批判。它似乎发出了一个口号：我们可以从头再来。就像荒岛上的鲁滨逊一样，用我们可以找到的东西重新开始生活和工作。而在展厅中间，与这对碎布椅遥相呼应的是提奥·林美的另一件作品：抽屉柜。那是一个即兴制作的柜子，由放在木头盒中的二十个旧抽屉组成，这些旧抽屉堆在一起，用一根带子捆着。这个自由的抽屉柜不仅推翻了文雅但肤浅的设计，还对全世界的无节制消费提出了批评。而且，它的批评是那样地粗野而有力。它就站在那里。这个柜子没有固定的形式，每一个抽屉都可以随意地与其他抽屉进行重新组合和互换位置。
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我曾经看过一次里面夹了一台电视机的。
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至今，这个抽屉柜更多地是在一些重要的美术馆展出和被购买，而不是在规模巨大的家具展销会上。这也就为设计提供了另一种可能：非工业化的、非大众市场化的；就像艺术作品产品化一样，设计作品也有艺术品化的倾向。这使得艺术与设计在市场方面的界线开始变得难以分辨。
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当然，并不是所有的设计都是这样，同样也不是所有的艺术都是那样。
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在展览中，另一件极具艺术气质的作品，是一个叫做《请打打》的金属座椅。这件由马林·梵得波尔（Marijn van der Poll）于2000年设计的座椅带有明显的喜剧色彩，这把椅子的设计直到铁锤上阵后才算完成。你的每一下锤击都会决定其形状。经过几分钟或数小时后，你就可以成为《请打打》的合作设计师，身体也同时得到了锻炼的机会。在这里，功能主义的“紧箍咒”完全被当作了戏谑的调味品。
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而展览中的“脂肪灯”却通过时间和温度讲述了一个魔术般的故事。玻璃灯球内充满了凝固的动物脂肪，当电灯的开关打开后，灯的温度把凝固的脂肪慢慢地融化，使它变成完全透明的液体，灯也就变得越发明亮了。你在观察它融化的过程时，就像是在听它讲述一个温暖的故事。
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我的一位朋友对我说，当一个事物你无法归类时，那就像是“艺术”了。这当然是玩笑话，但在今天，以外表或者行业来划分种类，就像是以肤色来辨别人群一样值得怀疑。在我看来，支持“风格主义”的理论基础，也许和“种族主义”出于同源。
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反而是观念，是立场，使不同的行业和不同的人群在朝着相同的方向工作着。我从来就辨别不清设计和艺术的界线。所有以创造为目标的工作，都具有着相类似的传统。
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大概只有照相机是不分艺术和设计的。这个工业化的产物正日益繁忙地在两个领域之间来回地趟着混水。无论是设计还是艺术，或者只是日常生活，都已经离不开这个小小的机器；无疑，用它生产出来的图片已成为了所有与视觉语言相关的基础。但我不把它称为摄影。摄影还是具有严格界限、带有专业性的一个行业范畴。我要说的，是已经离开了摄影、已经泛滥到了整个日常生活中的、用来记录和说话的、那种被轻松地叫做“照片”而不是“摄影”的东西。我们常常在艺术展览里看到设计师的作品，而在设计展览上也不乏艺术家的身影。但无论你在哪里见到他们时，手里都握着一个小小的照相机，就像街头的时髦青年一样，当然是数码的。而那些扛着大块头专业相机的，也许就是记者了。如果你看到一位穿着摄影背心的人（就是那种有很多个口袋的背心）走进来，你不用害怕，也没必要把你那只有巴掌大的相机藏到身后。在今天，我们已无法通过一件专业设备去判断一个人的准专业性——也许他只是要去钓鱼，走错了房间，随便看看而已。
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3-3 反设计［10］
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——对过度生产和无节制消费的不认同倾向
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从没有哪个时代像今天一样，“消费”几乎成为了幸福生活的核心动力。我们就像是身处于一个永无宁日的狂欢节之中。而支撑这个“无节制消费”狂欢节的是那频率越来越快的大规模工业化的过量生产。设计，作为一个行业，扮演了一个化妆师的角色：它尽可能地去打扮这个现场，让每一个节目都爆发出焰火，使这场狂欢持续而且频密地泛起一个又一个高潮。
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就在这一个接一个的频密而疲惫的高潮中，设计作为一种职业，走向了成熟，最终在今天成为了工业化过量生产和推动无节制消费的资本主义的合谋者。
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“过度生产”是由工业革命的大规模机械化生产所带来的无法医治的后遗症。当手工业生产被工业革命的巨轮迅速辗过后，几千年人类文明积累的手工业传统很快地被全球化的社会生产所替代。就像卓别林的《摩登时代》一样，滚动的机器会拖着人越转越快。它带给人类的是物质的极大满足和物质产品的过度生产。如何使这些过量的产品被已经填饱的社会所消化？人类的聪明才智终于在这里找到了尽情发挥的机会，一切都只为一个共同的目标：就是把东西卖出去。
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卖得越多，生产得越快；生产越快，卖得也就越多。为的就是，不让这个快速转动的频率和经济增长的速度慢下来。
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实际上，过度生产和无节制消费是同一个链条中互相串联的两个环。无节制消费是被过度生产所引发和诱导的，是为了消化“过度生产”；同时，它也反过来进一步推动了“过度生产”的发生。这两股力量互相作用着，就像在滚滚向前的火车头里不停地添煤，越添越快，使疯狂奔跑的火车头嗷嗷叫着向前冲，想慢也慢不下来。今天的全球化的社会生产和无节制的消费就像这列嗷嗷叫着向前冲的火车头，后面拉着的是无数节人类文明积累下来的车厢。然而，目的地是哪儿呢？
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