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20世纪60～80年代，印度电影的产量虽然不断增加，也创作了一些好影片，但总的来看影片质量不高，以致受到影评界的批评。这一时期的印度电影绝大多数属于娱乐片，公式化、概念化严重，缺乏逻辑性和艺术性。80年代，印度电影业已跃居世界首位，成为国家重要的经济支柱性产业。到80年代中期，全国有66家制片厂，26个电影实验所，400多种电影杂志，12000家电影院，25万从业人员，年产影片800～1000部，年耗资20亿美元。每天观众达1250万～2000万人次。印度电影似乎魅力无穷，而印度人民则堪称世界上最热心的观众。但是，由于印度电影的自身问题和电视的冲击，到20世纪90年代，商业片依然占据主导地位。不过，好的艺术片和优秀的导演也在不断出现。
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当前，印度电影在题材和风格方面日趋多样化。虽然印度的很多商业性电影是围绕社会生活中的戏剧性事件或恐怖故事而展开的，但印度电影从来就不乏表现民族正气的或非常高雅的艺术片。关注印度社会问题的严肃艺术片，不仅在印度广受欢迎，而且在世界各地的电影节上也受到广泛好评。20世纪80年代末期，具有非凡才华的国际知名女导演米拉·奈尔极为成功的电影《向孟买致敬！》（1988），揭示了孟买贫民窟儿童的苦难生活，表现了对被践踏者的深切同情。因为它构图雄浑，引人入胜，能深深打动人心，因而在印度和西方均大获成功，在戛纳电影节荣膺金相机奖和最佳外语片学院奖提名。她的《季风婚礼》（2000）表现了印度旁遮普人的一场异常混乱而又妙趣横生的婚礼，于翌年获得威尼斯电影节金狮奖，成为她最为驰名的一部电影。这位50初度的电影导演还将大有作为。阿舒托什·戈瓦里克导演的宝莱坞故事大片《印度往事》（2001），以不乏诙谐的手法表现了19世纪后期印度人在与英国人的斗争中民族意识的觉醒，从而弘扬了一种令人荡气回肠的爱国主义精神，获得了奥斯卡外语片大奖提名的荣誉。
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电影艺术在继承传统的同时也必须不断求变才能具有生命力。近年来，印度当代著名电影评论家劳夫·阿默德在《宝莱坞的时代正在来临》一文中说，“都市环境中成长起来的理性的观众，使老派主流电影开始走向衰落。有市场品位的电影开始逐渐脱离以迎合所有观众为目的的传统影片的套路。这一趋势激励了目光敏锐的出色导演去创作一些开拓性的作品。”印度电影的创作正在呈现百花齐放的景象，多品种、多风格的电影相互竞逐，艺术水平不断提高，满足了各个层次观众的需要。
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2006年8月下旬和9月上旬，印度电影节先后在北京和上海两地举办，使中国观众有幸欣赏1990年代以来印度拍摄的10部电影。表现反恐内容的《洛加》，在表现印度西北部雄浑壮美自然景观的同时，不乏惊险与刺激，艺术手法的高下与好莱坞电影《亡命天涯》难分轩轾。里图帕尔诺·高士根据泰戈尔的同名长篇小说摄制的《眼中沙》（2003），每一个场景都一丝不苟，每一个细节都不含糊，印度传统电影中的歌舞表演淡化为背景，而其绝妙而完美的艺术手法，毫不逊色于法国和意大利等电影大国的艺术片。这部电影于2003年在瑞士洛迦诺获得最佳电影金豹奖提名，同时获得印度最佳孟加拉语片国家奖。
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印度电影最大的制作中心在孟买的影城宝莱坞。这里生产的许多印度电影在欧洲、美洲乃至中东和非洲获得成功。如今，以宝莱坞为代表的印度电影业，成为印度十大文化品牌中的佼佼者，同印度的信息技术产业一样，成为印度经济发展最快的部门之一。2004年，以影视行业为龙头的娱乐传媒产业的产值约为70亿美元，到2009年达到了130亿美元。
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由于印度电影自身占领了国内市场的主要份额，外国电影在印度很难有大的作为。好莱坞出品的电影在世界大多数发达国家拥有极大的市场份额，但在印度，以好莱坞为主的外国影片的份额却仅占全部票房收入的5%～10%，以2004年为例，印度全年放映国产影片900部，而外国影片仅有80部。一部电影问世，为了保证电影的放映质量、防止盗版和全国同步放映，印度已在众多城市兴建了数字影院。
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印度电影所以能够与西方电影一争雌雄，在于国家宽松的文化政策，在于电影艺术家的深厚修养，在于集约化的生产方式，在于多品种和多风格作品的百花齐放，在于不断自我革新不断追求新的艺术高度，同时也在于低廉的票价。
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三 音乐与舞蹈
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（一）音乐
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印度音乐至少已有3000年的历史。公元前1500年前后问世的《梨俱吠陀》中的颂歌，可以被看做最早的歌词。《娑摩吠陀》则是上古时期的歌曲集，专供祭司在祭祀时吟唱。“娑摩”的意思就是曲调。因此可以说，同戏剧一样，印度音乐也很可能起源于宗教祭祀仪式。
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印度人将音乐视为一种能够使人的灵魂超脱俗世并升华到精神世界的崇高艺术形式。而印度文化历来就有轻物质重精神的倾向，音乐自然在印度人的生活中和心目占有神圣地位。泰戈尔对印度音乐就持有这样的看法。
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古代典籍证明，印度在上古时代就有了专业歌者和琴师。一些公元前后的石刻中也出现了他们的形象。在吠陀时代，维那琴一类的弦乐器和横笛一类的管乐器就已被制作出来。现在印度常用的一些民族乐器与之一脉相承。可能是在吠陀后期，印度音乐家在观察到不同动物的鸣声存在音差之后，将四声音阶改进成七声音阶。印度的七声音阶被认为分别代表孔雀、乳牛、山羊、鹭鸶、夜莺、马、象7种不同动物的叫声。《阿闼婆吠陀》中就有关于七声音阶的说明。在史诗时期，音乐在王室的扶植下获得迅速发展。公元前后，声乐从宗教仪式的要素演变为一种高度世俗化的艺术。在器乐方面，两大史诗《摩诃婆罗多》与《罗摩衍那》中提到的乐器就多达20余种。在乐理方面，除七声音阶外，这时还出现了印度音乐特有的7种调式。上文提到的《舞论》一书，虽然重点总结的是戏剧理论，但也是印度最早的音乐理论文献。婆罗多制定的音乐规则至今依然为印度音乐家所遵循。从迦梨陀娑的戏剧作品看，他也是一个深通音律的人。
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“拉格”是印度音乐的一个独一无二的特点。梵文原意为“色彩、情绪”或“着色”。在印度古典音乐中特指具有调式意味的曲调框架。拉格由规定的一组5～7个音组成，供即兴演奏或歌唱使用。其数量约300个，常用者约100个，但基本拉格为6个。这6个基本拉格是男性曲调，又由它们派生出一些女性曲调，名为拉吉尼。拉吉尼被人格化为拉格的妻子。每个基本拉格配有5个拉吉尼，总计36个曲调。特定的拉格和拉吉尼只能在特定的季节或一天中的某个时段演唱，表现某种特定的情感或情绪，即表现印度传统美学的9种“味”。否则将被认为不合时宜而受到嘲弄。印度音乐由此形成旋律优美、微妙细腻和变化多端的鲜明特点。
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印度古典音乐最初为一个体系，但在发展进程中逐渐分为两大流派，即印度斯坦音乐与卡纳塔克音乐。印度斯坦音乐属于北方音乐体系，形成于14世纪，主要流行于北印度、东印度以及今卡纳塔克邦和安得拉邦北部地区。它的世俗化倾向十分明显，受外来音乐特别是波斯和阿拉伯世俗音乐影响较多。16世纪莫卧儿王朝时代，古典音乐从宫廷流向民间。莫卧儿王朝开国皇帝巴卑尔自己深通音律，第三个皇帝阿克巴也热心赞助音乐。实际上，除奥朗则布外，所有莫卧儿皇帝都热爱并赞助音乐。印度斯坦音乐严格遵守拉格的时间规定，一般采用19世纪音乐家帕德肯代制定的以10种基本音阶为基础的10种同名拉格分类法。
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卡纳塔克音乐属于南方音乐体系。起源于雅利安人时代，形成于14世纪以后，宗教色彩浓厚，受外来音乐影响较少，基本上保持了印度本土传统音乐的特色。18世纪后期至19世纪初期是卡纳塔克音乐的黄金时期。作曲家特亚加拉贾（1767～1847）、迪克西塔尔（1775～1835）和夏斯特里（1763～1827）被并称为卡纳塔克音乐三杰。卡纳塔克音乐有72种基本拉格，依音阶中7个音排列顺序和音高变化的不同而产生，节奏规定没有印度斯坦音乐那么严格。
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印度人能歌善舞，因而民间音乐也十分发达。古典音乐主要满足审美需要，而民间音乐却具有各种社会功能。人们在生产劳动和日常生活中都需要音乐。在丰收季节、娶妻生子之时，人们载歌载舞，以示庆祝。所以，在印度的山野林间、河流海洋之上，都可以经常听到旋律优美的歌声。西孟加拉、马哈拉施特拉和安得拉等邦的民歌都富于地方特色，因而十分著名。印度民间音乐的音域也十分宽广，许多民间歌曲可以达到三个八度。插曲丰富的印度电影的繁荣和普及，也推动了民间音乐的发展。印度诗人泰戈尔十分欣赏民间音乐。他在吸收民间音乐养分的基础上创作歌曲2000多首。这些歌曲又回到民间，为渔夫村姑所传唱。近来，西方流行音乐也开始传入印度，摇滚音乐受到城市里一些青年的欢迎。
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印度乐器品种丰富，主要分为弦鸣乐器、革鸣乐器、体鸣乐器和气鸣乐器四类。其中七弦乐器维那琴、西塔尔琴、双面手鼓等都很有特色，也都具有丰富的表现力。
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印度音乐曾经对中国古代音乐产生巨大影响。在东汉时期，印度音乐随佛教一道传入我国。公元3世纪，佛教音乐开始在中国流行。在隋代，七声音阶传入我国。唐代音乐十分发达，其中就有天竺乐、龟兹乐、安国乐、康居乐、西凉乐等直接或间接源于印度的音乐成分。在现代，印度电影插曲《拉兹之歌》等亦曾风靡一时。
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（二）舞蹈
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在摩亨佐达罗和哈拉帕出土的印度河文明遗物中，就有舞女青铜像和表现男性舞者的石雕像。它们说明，印度先民十分喜欢舞蹈。在印度的神话传说中，神明是最初的舞者，表演创造、保护和毁灭之舞。按照传说，印度教三大神之一的湿婆是印度舞蹈的始祖。据说他会跳108种舞。宇宙就在他的舞蹈之中周而复始地走向毁灭和新生。他的舞王形象十分驰名。很可能，印度舞蹈也起源于宗教祭祀仪式。最初的职业舞者，需要在祭祀时表演舞技以取悦神灵。舞蹈作为一种艺术形式，在印度至少已有3000年的历史。舞蹈被认为是戏剧的基本组成部分。在公元2世纪问世的《毗湿奴往世书》中还提到过一部舞剧的名字。显然，在婆罗多写作《舞论》之前，印度舞蹈就已经十分繁荣和成熟。根据《舞论》，舞蹈已是当时所有重要庆祝活动必不可少的内容。《舞论》为印度古典舞蹈制定了规则，而且至今依然是印度所有古典舞蹈形式的理论源泉。
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印度古典舞蹈分为南北两大体系和四大流派。由于历史和社会的变迁，每一种舞蹈形式在演变之后均具有独特的技巧，但它们还是拥有一些共同的审美原则和技巧特点，同时都从印度神话取材。
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1.婆罗多舞
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婆罗多舞是南印度的一种古典舞蹈流派。起源于今泰米尔纳杜邦。原系神庙舞女的敬神舞蹈。16世纪传入宫廷。现代形式的婆罗多舞是在18世纪晚期或19世纪早期发展起来的，但在1910～1930年之间一度处于低谷，随后迅速得到复兴并登上舞台。婆罗多舞是一种独舞，通常由一名女演员演出，题材为印度神话。舞蹈分为六节：①序，祈祷并致礼；②纯舞蹈，演员随鼓乐节奏起舞；③短舞，以表情和手势简略表现泰卢固语或泰米尔语伴唱歌词的内容；④叙事舞段，以动作、表情和手势细腻表现全部故事情节，同时模拟几个不同角色；⑤抒情舞段，以轻快的舞姿表现对神的赞颂；⑥纯舞蹈，动作迅疾，收煞爽利。叙事舞段为舞蹈中心和高潮，演员须在作为道具的供盘上完成一系列高难度动作。舞姿取自并模仿印度雕刻作品，演员须屈膝而舞。
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2.卡塔卡利舞
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卡塔卡利舞也是南印度的一种古典舞蹈流派。起源于今喀拉拉邦。“卡塔卡利”意为“故事表演”。该舞蹈实际是承袭古代梵剧形式的舞剧，而且至今仍以梵语诗歌伴唱。当地民间在古代曾经流行演出舞剧，内容为神话传说，演出单位既有乡民剧团，也有职业剧团。卡塔卡利舞即从这些舞剧演化而来。该舞蹈植根于1500年前，在印度西南沿海流行也已近300年。主题多取自史诗《摩诃婆罗多》与《罗摩衍那》及印度教神话，经常在乡间神庙旁露天舞台通宵达旦地演出，月明之夜通常在旷野演出。舞者均为男性，运用24种基本手势、面部表情和动作叙述剧情。面部化妆浓墨重彩，类似中国京剧脸谱。绿脸代表高贵英武的正面人物，绿底红花脸代表妖魔，橙色脸代表王后、公主等由男性扮演的正面女角。化妆一次，须花费三个多小时。服装和头盔亦十分考究。
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