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美学十五讲 [:1701597472]
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一 手工艺运动和包豪斯
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如果把艺术设计广义地理解为效用和形式、技术和美的结合，那么，它在人类活动初期就产生了。有人不无幽默地把上帝称为第一位艺术设计师。根据《圣经》，上帝从亚当身上取下一根肋骨，用那根肋骨造了一个夏娃许配给亚当。上帝赋予夏娃的外貌，千百年来令诗人和画家们赞叹不己。在艺术设计作为职业形成之前，人类在数千年的器物制作过程中，艺术设计观念已经形成并得到发展。我国古代的陶瓷、青铜器、漆器、家具、金银器、玉器等体现了功能和美的结合，我国古代文献《老子》、《考工记》等对器物制作规律进行了理论思考，论述了器物文化中效用和美、技术和艺术、功能和形式的统一。这些基本原则不仅总结和规范了当时的器物制作活动，而且成为现代艺术设计的基础。尽管如此，艺术设计仍然是一个特定的历史概念，它是现代工业生产条件下的产物。艺术设计作为英语design的译名，指现代工业批量生产的条件下，把产品的功能、使用时的舒适和外观的美有机地、和谐地结合起来的设计。
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比如茶杯，如果我们仅仅把它作为饮具使用，也就是说，仅仅关心它的使用价值，那么，我们完全没有必要知道它的形状是否完全是圆筒形，它是用什么材料制成的，对我们来说，重要的是底上不要有洞，在使用这个茶杯时不要伤了嘴唇。然而，我们在商店购买茶杯时，不仅关心它的使用价值，而且关心它的审美价值，关心它的造型、质地、色彩、图案装饰等。茶杯是这样，其他一切商品也是如此。我们不仅要求它们经济实用，而且要求它们赏心悦目。使用功能基本类似的商品，它的外观越美，销路也越好。正如罗维的代表作所说的那样：《丑货滞销》。米斯·凡·德罗对艺术设计的这种特点做了一个通俗的解释：“请你设想一下，如果你认识一对孪生姐妹，她们都有运动员的体形，有教养，有财产，能生育，然而一个漂亮，一个不漂亮，那你和谁结婚呢？”
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灯具和沙发是普通的日常生活用品，然而经过艺术设计师的精心创作，它们能够产生意想不到的审美效果。意大利艺术设计师马都·顿和安德尔·勒瑞在1985年设计了圆柱形灯具，造型类似于缩微了的建筑模型，当灯光从金属圆柱上面镂空的圆孔里洒出来时，它看起来就像繁华都市里灯光明亮的一幢摩天大楼的远景。意大利艺术设计师盖当诺·佩西在1980年设计了一组沙发，命名为“纽约的日落”。沙发的靠背是红色的半圆形，沙发前面摆放着几个错落有致、连在一起的部件，部件的造型和表面处理成摩天大楼，看上去就像夕阳正从城市的摩天大楼背后徐徐落下〔5〕。
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1946年罗维为灰狗公司设计的长途客车
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不仅在生活用品领域，而且在高科技工业产品领域，艺术设计师也有用武之地。德国艺术设计师诺依迈斯特1981年设计了磁悬浮列车，他还对美国拉斯维加斯的交通工具和德国法兰克福航空港进行了概念设计，完成了瑞士、奥地利和德国铁道部门制造卧铺车厢的订货，这些订货要求把卧铺车厢设计成为“装在轮子上的舒适旅馆”。第二次世界大战期间，德雷福斯设计了一些军工产品：枪炮仪表板上的刻度盘、坦克的内饰、海军和空军装备。他得出结论说，功能更好的大炮，必然更加好看。这个结论虽然在外行人看来是奇怪的，然而对于博学的艺术设计师来说完全可以理解。优秀设计的秘密正在于此。我们上面提到的罗维还设计过名噪一时的冰箱、复印机、长途行驶的高速客车、宾夕法尼亚铁道公司的机车、美国史蒂倍克汽车公司的冠军牌、先锋牌轿车。意大利是国际艺术设计界的重镇。该国平尼法里那公司是世界上最有影响的车身造型设计公司之一，它设计的法拉利跑车体现了浪漫华丽的意大利设计风格。
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后来得到蓬勃发展的艺术设计，作为一种职业，诞生于20世纪初期。英国的威廉·莫里斯和罗斯金被后人追溯为艺术设计的先躯者。
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（一）手工艺运动
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手工艺运动指19世纪中期英国争取艺术和手工艺的联系的运动。它是欧洲艺术设计的源头，首领为威廉·莫里斯和约翰·罗斯金。19世纪，资本主义大工业生产极大地提高了产品的数量，然而造成了技术和艺术的脱节和对立。与手工艺生产相比，机器生产的批量产品导致艺术质量急剧下降，由此还引起了消费者艺术趣味的衰落。这些问题使威廉·莫里斯和罗斯金深感不安。因此，他们力图通过完全否定技术和机器生产、恢复艺术和手工艺的联系的途径，来解决技术和艺术之间的矛盾。
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罗斯金是英国艺术理论家、画家、诗人和政论家，属于英国浪漫主义者晚近的一代。他在众多的著作中对资产阶级社会现实的抗争具有浪漫主义色彩，提倡复兴“富有创造精神的”中世纪手工艺。他论述文化问题的著作《芝麻与百合》和《空中皇后》以文辞精美著称。他晚年的自传体著作《往昔》阐述了他关于人和日常生活相冲突的思想是怎样发展的，人们的生活方式怎样在艺术中得到反映，艺术家怎样对社会的审美知觉发生影响。
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顺便指出，朱光潜先生在《谈美》一书中论述美感和快感的区别时，批评了罗斯金对美感和快感的混淆。朱先生写道：“不仅是普通人如此，许多声名煊赫的文艺批评家也把美感和快感混为一件事。英国19世纪有一位学者叫做罗斯金，他著过几十册书谈建筑和图画，就曾经很坦白地告诉人说：‘我从来没有看见过一座希腊女神雕像，有一位血色鲜丽的英国姑娘的一半美。’从愉快的标准看，血色鲜丽的姑娘引诱力自然是比女神雕像的大；但是你觉得一位姑娘‘美’和你觉得一座女神雕像‘美’时是否相同呢？《红楼梦》里的刘姥姥想来不一定有什么风韵，虽然不能邀罗斯金的青眼，在艺术上却仍不失其为美。一个很漂亮的姑娘同时做许多画家的‘模特儿’，可是她的画像在一百张之中不一定有一张比得上伦勃朗（荷兰人物画家）的‘老太婆’。英国姑娘的‘美’和希腊女神雕像的‘美’显然是两件事，一个是只能引起快感的，一个是只能引起美感的。罗斯金的错误在把英国姑娘的引诱性做‘美’的标准，去测量艺术作品。艺术是另一世界里的东西，对于实际人生没有引诱性，所以他以为比不上血色鲜丽的英国姑娘。”〔6〕
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我们在这里不讲快感和美感的区别，仍然回到手工艺运动上来。作为一位道德学家，罗斯金关注艺术和技术相互作用的伦理方面，从道德主义立场批判资产阶级社会。道德主义是英国艺术文化的特征之一。在18世纪初期，英国美学家夏夫兹博里就宣告了善和美的同一性（“善是美而恶是丑”），浪漫主义者传播了他的观点。罗斯金认为审美和伦理是同一的，强调美的道德性。他要求艺术具有高尚的道德内容，主张作品的艺术价值直接依赖于它所体现的思想的意义。罗斯金批判当时的社会丧失了美和诗性。对于他来说，丧失了美就同时意味着丧失了道德。他的著作作为浪漫主义最后的余波，坚持精神价值和美是人的生活的最高目的。他不仅在美学上，而且在社会学和政治经济学上也是位浪漫主义者。自19世纪60年代起，他从美学研究转入积极的政论活动和社会改革活动，旨在把他的美学的基本原则付诸实践。
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罗斯金的思想对同时代人产生很大的影响。虽然现在看来，他的不少观点是幼稚的和陈腐的，然而不应当忘记，他在一个半世纪前就注意到艺术工业问题。在他之前，艺术学仅仅研究“高级艺术”——音乐、诗歌和绘画。艺术的这些样式仿佛完全不同日常生活发生联系。而罗斯金在牛津宣称，在各种艺术领域中，从高级艺术到低级艺术（指衣服、器皿、家具等产品的制造），艺术的健康方向首先取决于它在工业中的应用。
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1857年7月10日和13日，罗斯金在曼彻斯特的两次演讲阐述了艺术和效用的关系。它使用了“具有审美价值的产品”的概念，强调指出，匆忙地制造的产品也会匆忙地消亡，结果廉价的成为昂贵的。他认为，工业艺术、日用品艺术是艺术大厦的基石，而这些艺术的基础是天赋、美和效用三位一体。艺术的主要任务是在日常生活中产生真正的效益，而艺术的首要目的是使自己的国家变得光明，使自己的人民变得美好。罗斯金确认，机器生产不仅毁灭艺术，而且摧残工作者，把他们变成机器。烙有机器生产和劳动分工印记的艺术远离自然，丧失了人民精神。罗斯金的演讲尖锐地提出了工业产品的艺术质量问题，引起了社会对工业艺术的注意。但他的结论是错误的，他主张解决矛盾的出路是倒退到手工生产中去，社会的道德完善和审美完善只可能在手工劳动广泛普及的基础上产生。
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罗斯金并不反对技术本身，而是反对伴随技术所产生的资源严重消耗和自然环境的破坏。1851年，英国为举办第一届世界博览会，在伦敦市中心建了水晶宫，即用钢铁和玻璃材料制成的展览场馆。罗斯金不满意水晶宫的外形，称它为由两根烟囱支撑起来的大蒸锅。当这座建筑被迁移到新的、固定的场所——当时伦敦的郊区时，罗斯金被激怒了。他指出，水晶宫彻底破坏了郊区的风景。许多人到郊区参观水晶宫，践踏了草地，毫不怜惜地毁坏了环境。他担心人类无节制地掠夺自然所造成的后果，这已经和生态美学的现代原理相接近。罗斯金比同时代人有更广阔的视野，他以文化学态度看待艺术现象，强调可以像阅读英国诗人弥尔顿或者意大利诗人但丁那样“阅读”过去时代的建筑。对艺术的研究促使他转而分析社会现实，他称这种分析是“艺术的政治经济学”。他在手工劳动中看到创造因素，并把这种劳动诗化。他是第一个始终不渝地把艺术、劳动和道德因素联成整体的人。
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威廉·莫里斯是罗斯金的最早支持者之一。他是一位作家和思想家，学过建筑，醉心于绘画，在描写社会理想的长篇小说《乌有乡消息》中，他表现出了乌托邦社会主义的观点。他把艺术看做改造现实生活的手段，使他感到困惑的问题是：为什么19世纪下半叶建筑和实用艺术发生衰落？他的答案有两点：首先，资本主义只承认能够带来商业利润是产品的惟一的价值；其次，追逐利润的物质生产的增长导致劳动分工的加剧和劳动创造性的丧失。他认为劳动直接同艺术相联系，艺术是人在劳动过程中所产生的快感的表现。但是，限制人的能力发展的劳动成为沉重的负担。资本主义工厂里工人的劳动就是如此，而手工劳动则是任何一种艺术的萌芽。
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莫里斯具有实践经验、艺术才能和组织能力，他不满足于普及和进一步发展罗斯金的思想，而是力图把这些思想付诸实践。在罗斯金的参与下，莫里斯组织了艺术工业联合会。联合会的手工工场为客户从事室内装潢、制作壁画，工人们按照莫里斯和其他画家绘制的图样，通过手工生产制作家具、器皿、壁纸、地毯、绣品、窗帘、门窗彩花玻璃、金属制品和帷幔织物等。莫里斯的住宅“红房子”由他的朋友、建筑师F. 韦帕于1859年专门设计。“红房子”具有中世纪住宅的外貌，它的装饰和器具由莫里斯亲自设计。“红房子”不仅影响了私人住宅的设计，而且成为对人栖居的环境进行整体安排的范例。
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用莫里斯工场生产的墙纸和家具布置房间，在英国很快成为一种时髦。这些产品具有高度的艺术水准，和机器生产的批量产品形成了强烈的对比。莫里斯还使居住环境成为展览会的主题。1866年在当时英国最大的博物馆——伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆展出的“绿客厅”是未来室内装潢的实验设计，它和“红房子”一样获得广泛的知名度。莫里斯以此表明艺术家参与环境设计的可能性。
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莫里斯举办工场的目的是为了发展大众的艺术趣味和改善他们的日常生活状况。他的工场的产品销路很好，然而价格昂贵，买主都是社会的富裕阶层。这违背了莫里斯的初衷。莫里斯不得不承认，他实际上几乎只为富人们在工作。看到这种结局，他最终离开了自己的工场。不过，莫里斯培植的事业继续发展。他倡导的手工艺术设计协会先后在英国、德国、奥地利诞生了。这些协会感兴趣的是，他们活动的物质成果中体现出手工艺术设计的某些重要原则——高质量，优雅简洁，极好的材料感，美和效用的结合。
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机器生产的批量产品能不能也体现手工艺术设计的原则，和莫里斯工场的产品相媲美呢？对这个问题的思考，导致了19世纪末期发生的手工艺术设计向工业艺术设计的过渡。
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（二）包豪斯
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包豪斯作为早期著名的艺术设计高等学校，1919年成立于德国魏玛。它是许多艺术设计师心目中的偶像。它的首任校长格罗皮乌斯不仅是位建筑家，而且是一位教育家、艺术设计师和20世纪设计文化的主要代表之一。
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包豪斯的理论集中体现在格罗皮乌斯起草的并于1919年4月出版的第一份包豪斯宣言中。宣言结尾指出：“让我们建立一个新的工艺技师联合会，在这个联合会里没有造成艺术家和工艺技师之间不可逾越的障碍的阶级差异！我们要思考和建立新的未来大厦，建筑、雕塑、绘画将结合在它的统一形象中。这座大厦像由许多工艺技师的双手将之矗立云天的殿堂，将成为新的未来信念的晶莹标志。”〔7〕尽管包豪斯宣言中有矛盾的地方，有的提法也是错误的，然而，它对德国艺术界的意义难以估量。它不仅迅速成为青年们激烈反对现存教育体系的锐利武器，而且产生了广泛的社会反响，成为当时最重要的文化事件。
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