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欧洲现代史：从文艺复兴到现在（第三版） [:1706484474]
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资助者与艺术
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文艺复兴时期艺术的繁荣离不开那些来自富裕的权贵家族的资助者，尽管来自行会和宗教团体的委托也并不少。画家、雕塑家与诗人、音乐家一样，都希望成为贵族的入幕之宾，就像达·芬奇那样，在贵族家中可以有充裕的创作时间，开销又很少。少数艺术家为贵族画纹章、挂毯以及宠物的画像，如狗和猎鹰。
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那些未能成为贵族入幕之宾的人文主义者则可在政府机关担任书记官。因为他们能够起草令人印象深刻的官方书信。他们还可以是贵族子弟的家庭教师，还有一些人任职于教会。这些人文主义者一丝不苟地模仿西塞罗，创作出各种演讲稿，用于接待外宾、喧嚣的庆典以及葬礼等场合。出生于美第奇家族的教皇利奥十世能自己创作并演奏音乐，除了雇用莱奥纳多·达·芬奇外，他还将许多优秀的画家、雕塑家、音乐家召至教廷，也聘用人文学者，让他们担任教会公职和外交大使。同时，诙谐与讽刺的文学也有所发展，并成为城市国家里下流且“尖酸刻薄的”政治和社交生活中的一部分。当曼托瓦侯爵夫人伊莎贝拉将她的一名侏儒打扮成主教的样子，迎接来访的名流显要时，她那些富裕的、衣着考究的朋友们纷纷眨着眼睛，爆发出阵阵哄笑。当时的讽刺作家彼得罗·阿雷蒂诺（1492—1556）接连得到银行家、红衣主教、曼托瓦大公、佛罗伦萨的美第奇、威尼斯总督和贵族们的资助。不论是世俗统帅还是教会领袖，都逃不过他的笑话和诗歌的嘲弄。阿雷蒂诺尤其喜爱用恶毒的言语，攻击城邦里妄图挤入上流社会者和贪腐的官员。他仅让一个人免于他的攻击，他称这个人神圣不可侵犯，即他自己。
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由于古典时期的文献提出，积极的生活的特征之一是为公众发挥积极的作用，因此富裕的信仰人文主义的家庭相信，他们应该好好利用他们的财富，以显示他们的智慧。资助艺术创作似乎可以从道德上确立他们的领袖地位，因此有利于获取统治权力。富裕家族还借助艺术展现出他们想要展现的形象，如利用肖像画打动心仪对象的家庭。
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拉斐尔的作品：教皇利奥十世与两名红衣主教。这位教皇在统治期间，招揽了大批画家、雕塑家和音乐家。
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佛罗伦萨的美第奇家族是艺术界最大的世俗资助者，他们委托建造了各种建筑，为纷繁华丽的礼拜堂和圣坛装饰出资，并修复修道院。尽管有人讽刺科西莫·德·美第奇对书籍的奢华装帧比对书的内容更有兴趣，科西莫依然收集手稿，也的确读了不少。这名富裕的银行家还监督建造精美的宫殿和教堂。美第奇家族位于佛罗伦萨圣洛伦佐教堂的陵墓是由米开朗基罗（1475—1564）设计的，他也是享受着美第奇资助的雕塑家。
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15世纪漫长的经济萧条事实上可能促进了艺术的发展。贵族世家发现商业与制造业无法获得足够利润，于是干脆在绘画和雕塑方面投入大笔资金。反过来，由于生产性资本投入的减少，导致经济衰退进一步恶化。如此，萧条的经济又让富裕家族在文化方面投入更多时间。
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马萨乔的《三博士来朝》（1426）。
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艺术的资助者们通常不但指定他们委托绘画的内容，而且还有相关的细节要求，例如指定必须画某位圣徒。此外，艺术品的规格和价格也由他们决定，比如规定画作中蓝色颜料或金箔、雕塑中青铜或大理石的成本。小天使题材需要的成本往往更高。尽管费拉拉的一位大公根据画作的规格来支付画家薪水，但是越来越多的资助者根据画家在画作中耗费的时间、技巧或使用的材料来付费。与艺术家签订的协约可能还会写清作品是由艺术家单独完成，还是可以从匠师的作坊雇用一些助手完成某些部分。资助者有时还会出现在画作中，例如托马索·迪·乔瓦尼·马萨乔（1401—1428）的作品《三博士来朝》，里面就出现了资助这幅画的公证人及他的儿子的面容。与此相反的是贵族偶尔还会委托艺术家以绘画羞辱他们的敌人，比如有人出钱让某位维罗那的画家溜进资助者竞争对手的宫殿，在宫殿的墙上绘制淫秽图像。
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欧洲现代史：从文艺复兴到现在（第三版） [:1706484475]
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文艺复兴时期的艺术家
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由于绘画发端于手工艺传统，因此在中世纪时期，绘画也被认为是某种“机械”技艺。这使得画家们的身份难以定位，因为他们出售自己的作品，又缺乏人文主义的教育。米开朗基罗的父亲曾竭力阻止儿子成为一名雕塑家，因为他认为雕塑不过是一种切割石头的技艺。米开朗基罗有时也在自己的绘画上留名，上面写有“雕塑家米开朗基罗”，似乎要强调自己不同于一般的画家。然而人文主义者莱昂·巴蒂斯塔·阿尔贝蒂在他作于1435年的《论绘画》一文中，对时人仍认为绘画是一种“机械”艺术感到愤怒，他认为画家和雕塑家已不再是工匠，而是某种“高雅艺术”的从事者。
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大部分出身背景已知的艺术家的父亲是城市里的零售商或工匠，通常从业于奢侈品行业。而令人吃惊的是，艺术家中的第二大人群居然是贵族的孩子，也许这也反映出文艺复兴时期贵族的相对衰落。接下来，是商人或受过教育的专业人士的孩子，例如公证人、律师或官员。也有些如拉斐尔一般的艺术家属于子承父业。只有少数艺术家是农民之子。
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当时的人将工匠与画家联系在一起，其实是恰当的，因为如同前者，画家必须先经过一段学徒期。建筑师和作曲家则缺乏这样正式的训练。威尼斯的画家行会要求画家必须有长达5年的学徒期，接下来如同银匠、鞋匠、细木工匠以及其他受训的工匠一般，还需做满2年的帮工。一些匠师拥有规模较大的作坊，他们的学徒就在里面训练，并通常一起生活，有时候还会参与同一幅作品的创作，这就是为什么某些油画很难判断验证作者。因为女人既不能成为学徒，也不能进入大学，所以文艺复兴时期直到16世纪，一直没有著名的女性画家。
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许多艺术家宣称，他们应该比工匠更受尊重。达·芬奇如此颂扬画家：他坐在“自己的画架前，面对自己的作品，穿着自己喜欢的衣服，轻快地挥舞着带着丰富色彩的笔刷……时常与音乐家和欣赏各种美丽作品的人相伴”。艺术家追求人文主义者理想中的美和上帝，这可以帮助我们理解文艺复兴时期一些艺术家的地位从“机械艺术”的从业者升格至一位葡萄牙画家描述的米开朗基罗的那种地位：“在意大利，人们并不尊崇伟大君主的名望，只把画家称作神圣的人。”当然，不是所有的画家都能达到那样的高度，但是总的来说，艺术家的地位在文艺复兴时期有所上升。米开朗基罗、达·芬奇、拉斐尔、提香（提齐安诺·韦切利奥，约1490—1576）过着绅士一般的日子，提香甚至还被神圣罗马皇帝查理五世授予爵位。一些画家、雕塑家和作家被他们的城邦所喜爱，被授予各种荣誉，如“桂冠诗人”的称号。
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欧洲现代史：从文艺复兴到现在（第三版） [:1706484476]
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绘画与雕塑
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对古代世界、自然与人类的重新发现使欧洲的绘画艺术从此改变。文艺复兴时期的艺术家反映出来自新柏拉图主义的影响。在15世纪晚期到16世纪早期，新柏拉图主义者借用了柏拉图的思想：永恒的理念（例如真善美）存在于人类的日常生活领域之外。人文主义者相信思想能够超越人的本性，并最终理解这些永恒的观念。艺术家能够通过他们的想象力再现灵魂之美，从而能与上帝接触。对但丁而言，艺术是“上帝之孙”。对米开朗基罗而言，美“使明白真理的心灵升入天堂”。
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艺术家借助宇宙中上帝所创造的比例，试图以现实主义的方式表现美。对一名文艺复兴时期的画家而言，对他的最高赞美，即是称他的作品之美超越了自然。达·芬奇对此这么解释：“绘画……迫使画家们让自己的思想与大自然融为一体，将自然之美转化成绘画艺术。”在文艺复兴时期，自然不再是绘画中单纯的背景。画家们以山脉、岩石、花园本身为绘画目的，忠实地描绘其优美。
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越来越多日常生活中的物件出现在绘画里，显示出人们逐渐注重描绘现实世界。例如，拉斐尔的某幅绘画中描绘的矮胖的教皇利奥十世，他凝望着远方，手中把玩着读书时所使用的放大镜。
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佛罗伦萨圣十字圣殿佩鲁齐小圣堂内乔托所绘壁画：《福音作者约翰的故事：帕特莫斯岛的天启》。
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