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考古学家们在西班牙的洞穴中发现的人类手印壁画可追溯到4.5万年前，该洞穴壁画有可能由更早的尼安德特人创造。[1] 随着智人由非洲迁徙抵达欧洲，大约5000年后，尼安德特人神秘地消失了。[2] 在最近一次对西班牙洞穴某些岩石壁画的年代鉴定中，考古学家们发现其形成时间可追溯到6.5万年前。当时，智人并未抵达欧洲，因此，可以肯定创作这些壁画的另有其人。那么，谁才是最早的艺术家呢？在印尼爪哇岛发现的贝壳雕刻图案制作于50万年前，这显然是另一种早期人类——直立人（homo erectus）的作品。所以，如果有人可以被称作最早的艺术家的话，那既不是我们智人，也非尼安德特人，而是直立人。直立人是智人和尼安德特人的共同祖先。
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由此看来，艺术是现代人类所独有的精神世界产物这一观点就显得太过绝对了，我们似乎需要与直立人、尼安德特人共享艺术创作的专利权了。
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有些人认为，这些印记还不能称为艺术。然而，似乎很明显，在物种进化的过程中，印记的出现代表了进化的一个重要时刻：一个物种开始做标记，其目的可能不仅仅是为了实用——印记的出现预示着人类种群迈入了全新的进化阶段。
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科学家们模拟4万年前的生产力水平、技术和工艺对出土的105块骨雕作品进行了重构试验。科学家们证明了，制作出这些“艺术品”需要耗费非常大量的劳动力以及劳动时间。在那一时期——石器时代，生产力极其低下，人们依靠狩猎以及采集获得赖以生存的食物，在生存的比赛里，谁生存下来谁就获胜了。可见，在以狩猎、采集为主的生产方式下，为生存所进行的活动必优先于其他活动。那么，花费大量的劳动力和宝贵的劳动时间去进行骨雕作品的制作，意味着“骨雕作品”特殊的价值和意义超越了为生存而进行的生产活动。历史的长河滚滚流过，这些作品所暗含的真正意图和意义可能已无法考证，它们或是用于所有权的表示和象征，或是用于对配偶或特定的人表达爱意……这些都反映了人类将艺术创作的热情融入了这样一种向前发展的行为之中。
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什么构成了艺术？这个问题困扰了人类好几个世纪。
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柏拉图认为：艺术即模仿。
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柏拉图在他的《理想国》中驱除了诗人、画家等与艺术有关的人。艺术的本意是技艺（tekhne），因此木匠、画家以及诗人都算是艺术家。柏拉图贬低了艺术，在他看来，艺术是对物理对象的表现，而物理对象本身就是对抽象的理想对象的表现。因此，柏拉图认为，艺术依赖于并且低于它所表现的物理对象，而物理对象又依赖于并且低于纯粹的形式。基于这个定义，艺术就不能产生知识和真理，只能产生幻象。
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康德认为：艺术即可传递的快感。
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康德对于美的艺术的定义是这样的：“美的艺术作为最高的艺术，是无目的、无功利的，感性的单纯形式是本质要素。”艺术不仅包含形式主义，还包含表现论思想。这里的表现论指的是：“美的事物表现着审美理念和理性理念。一切美都是审美理念的表现；而审美理念又与理性理念有着普遍的联系，它们展示、表现着理性理念。”
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托尔斯泰认为：艺术即情感交流。
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托尔斯泰进一步发展了康德的观点，他认为“艺术是人类的情感交流，艺术所表现出的情感还有一个重要的特征，就是它具有一种公共性和普遍性。它能够把所有的人连接在一起，让所有的人凭借艺术能够息息相通。”从阿尔塔米拉（Altamira）洞穴到画展展厅，艺术以其独特的方式让人与人之间产生共鸣，将不同的个体连接起来的同时也把群体连接了起来。
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维特根斯坦认为：假如艺术的作用是“唤起情感”，也许，领悟艺术的意识包含在这些情感之中。[3]
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维特根斯坦认为，艺术是语言游戏的一部分，而语言游戏是语言哲学的核心。艺术和语言游戏都企图接近他人的思想，如果我们创造的人工智能拥有了意识或者灵智和思维，那么它将通过什么样的迷人的艺术作品向我们展示它作为机器所拥有的情感和思维？当然，创造具有智能的代码还有很长的路要走。
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追本溯源，艺术是人类自由意识的表达。计算机在拥有觉醒了的意识、灵智、思维之前，所创造的艺术总是来源于人类创作的意图。即便是Twitter上的某些关键词触发程序进行了下一步的动作或执行了某些操作，那也是因为程序员事先写入了代码，而不是它本能的反应。然而，对于人类来说，创作的欲望是一种本能的冲动，只是我们并不知道它何时何地会被激发出来而已。
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然而，现代艺术是否真的能代表并反映一切？它是否与政治、权力和金钱的关系更为密切？是谁在定义艺术？策展人汉斯·乌尔里希·奥布里斯特在艺术界拥有比较权威的地位，当他决定在画展中展出某些作品时，一定会吸引诸多关注。反过来讲，如果作品不能被权威策展人肯定，或者认可作品的策展人不具备权威性，那就意味着该艺术作品很可能不会出现在公众的视野里。
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19世纪末到20世纪初的这一段时期，以法国为源头的现代主义艺术渐渐影响了整个欧洲。诸多画家追求时髦，标新立异，创造出了大量摆脱传统形式束缚的作品，开创了不少新的流派。许多现代艺术不再是伦勃朗或达·芬奇等巨匠那种对美学和技巧的欣赏，而是揭示了关于我们与世界的关系的有趣信息和视角。杜尚（Duchamp）的作品《泉》是一个安置在雕像基座上的小便池，一方面，他为自己的作品取名为《泉》是用来暗讽法国新古典主义画家安格尔的同名画作，意图粉碎传统意义上的美学观点；另一方面，杜尚在作品上的署名为“R.MUTT”，这是利用德语词汇“贫穷”的谐音所起的假名，用以批判当时的艺术家普遍缺乏想象力。杜尚如此解释：这一座便池的外沿曲线和三角构图，与达·芬奇的《蒙娜丽莎》别无二致；而它那温润、光洁的肌理效果和明暗转换，与古希腊雕刻大师普拉克西特列斯[4] （Praxiteles）的雕塑完全一样；如果把小便池只当成小便池，那它永远只是一件生活用品，但如果从另一个维度来审视它，它也能成为艺术品。从这种观点来讲，杜尚的这一作品打破了“艺术”和“非艺术”的界限。约翰·凯奇（John Cage）的作品《4‘33”》是最著名的无声音乐，共3个乐章，该曲的休止符长达4分33秒，创下了世界最长休止符的纪录。但当观众欣赏完这4分33秒的无声音乐后，会开始思考“音乐到底是什么？”约翰·凯奇很好地表达了他的音乐哲学观点：音乐最基本的元素不是演奏，而是聆听——我们开始仔细聆听在寂静之中由偶然所带来的一切声音，并从另外的角度去欣赏它。罗伯特·巴里（Robert Barry）是概念主义艺术家，他的作品致力于摆脱艺术作品对物理条件的依附，用以表达未知或未被感知的东西。他的一件概念艺术作品是用铅笔在墙上写的句子，大意为“非我所想，即我知——1969年6月15日，下午1：36”，尝试让观众在有与无之间找到意义。甚至，里希特的《4900种色彩》也与传统美学体验和绘画技巧无关。这些都是对我们长久以来熟谙的审美体验和认知的挑战。
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那么，计算机艺术也是在试图颠覆我们传统的审美概念吗？如果你被一个笑话逗得开怀大笑，随后被告知，这个笑话其实是由计算机算法生成的，这时你会做何感想？也许你认为可以让你开怀大笑就足够了，但是这则由算法生成的笑话为什么没有带给你除了开怀大笑以外的其他情感反应呢？若被一幅画作感动到流泪，当被告知这幅画作是由计算机算法生成的，我相信大部分人会感觉到被欺骗了，认为自己的感情被玩弄了。这样的体验使我们发问，人是否真的能理解他人？还是我们只是在自己未被开发的意识深处探索？然而，这是在尝试走进他人的意识。我们只需要也只能做自我意识的外向输出，因为我们永远都不可能真正进入另一个人的意识世界。
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正如安迪·沃霍尔（Andy Warhol）所言：“如果你想了解安迪·沃霍尔，你只需看看我的画、我的电影，还有我本人，这就是全部真实的安迪·沃霍尔。”
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但对使用计算机进行创作的那些艺术家来说，计算机只是一种新的工具。我们从不认为数码相机具备创造力，但它却让使用者拥有了新的创造力。计算机艺术学院也在以同样的方式积极尝试，探索艺术创造的边界与可能性的新方向。
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[1] 译者认为，虽然古代的信息传播受限，但艺术是早期人类的共同行为。——译者注
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[2] 有人认为是尼安德特人的基因缺陷导致了其灭绝，有现代基因研究结果表明尼安德特人被智人同化了，还有证据表明尼安德特人成了智人的食物。——译者注
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[3] 出自维特根斯坦的《文化与价值》。——译者注
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[4] 古希腊古典后期杰出的雕塑家，善于把神话传说中的人物纳入平凡的日常生活并加以描写。其作品风格柔和细腻，充满抒情感，确立了公元前4世纪希腊雕塑的艺术特征。——译者注
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