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圣索菲亚大教堂
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中世纪不同于古希腊，当时执艺术牛耳的是音乐和建筑。中世纪时一神教的基督教代替了古希腊的多神教。基督教重视精神性，轻视形体性。再现形体的雕塑和绘画受到限制。体现普遍的宗教感情的音乐以及体现一般性而不是具体性的建筑，得到充分的发展。在中世纪，东欧以拜占庭（又称君士坦丁堡）为中心，形成了拜占庭文化。君士坦丁堡的圣索菲亚大教堂是拜占庭建筑的代表作。它比古罗马的万神殿更为高敞宽阔，产生了统一而多变的空间效果。“当朦胧的光线由穹顶下缘的一个个小窗洞中洒进幽暗的室内，教堂内部彩色贴面图案、两侧镀金柱头、包金交界线和顶部与地面彩色玻璃、马赛克装饰，营造出斑斓而迷离的景象。”〔13〕置身于教堂中，教徒的心也飘飘荡荡，仿佛飞向上帝。西欧形成了哥特式建筑体系。代表作有德国科隆大教堂和法国巴黎圣母院。科隆大教堂的墙和塔越往上越细，顶上的小尖顶直刺苍天，教堂所有局部的上端也是尖的，给人的一种腾飞凌空的感觉。教堂窗洞镶满五彩斑斓的玻璃，人在教堂中仿佛有升腾天国的感觉。巴黎圣母院由圣堂、小礼拜堂、98米高的十字厅尖塔、塔楼等组成。它的西立面中间是象征天堂的玫瑰窗，两侧是尖券高窗，高窗之上有塔楼左右分峙。它的特色之一是底部层层内收的券门，仿佛把行人吸入圣洁的殿堂。中世纪的建筑体现了宗教教义。
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文艺复兴时期，绘画在艺术中占据了主导地位。文艺复兴时期艺术家渴望认识自然和现实世界，喜欢把艺术比做反映现实的镜子。达·芬奇就认为艺术家的心应该像一面镜子，把所反映事物的色彩和形象摄取进来。在这种情况下，抬高绘画、贬低建筑就是很正常的事。不仅画家达·芬奇、而且建筑家阿尔伯蒂都认为绘画具有最高的价值，因为绘画（还有雕塑）能够比其他艺术更忠实、更准确地再现现实。另外，文艺复兴时期科学的发展也促使意大利绘画达到欧洲的第一次高峰。当时重要的艺术家如达·芬奇、阿尔伯蒂、米开朗琪罗都同时是科学家。“他们认识到艺术既然是摹仿自然，就要把艺术摆在自然科学的基础上。这句话有两层意义：头一层是对自然本身要有精确的科学的认识，其次是把所认识到的自然逼真地再现出来，在技巧和手法上须有自然科学的理论基础。”〔14〕达·芬奇甚至把绘画称为科学。艺术家们研究与造型艺术有关的解剖学、透视学、配色学等，这些都促进了绘画的发展。
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在17—18世纪的欧洲，戏剧登上艺术的前台。戏剧的核心是戏剧性，戏剧性指戏剧应该集中浓烈地反映现实的矛盾和冲突。17世纪法国新古典主义者继续做意大利人在文艺复兴时期做的事情：以继承古典为主要内容。“法国新古典主义文艺就是法国理性主义哲学的体现”〔15〕，法国理性主义哲学的标志是笛卡尔的《论方法》一书。该书反映了封建阶级和资产阶级的斗争和妥协，笛卡尔主张物质和精神的二元论，而没有解决谁先谁后的问题。17世纪法国新古典主义戏剧家高乃依和拉辛的作品就体现了这种二元论。18世纪启蒙运动是资产阶级从思想战线上向封建统治和教会势力发起总攻击的体现。法国剧作家狄德罗、博马舍和德国剧作家莱辛、席勒的作品反映了社会现实中的矛盾和冲突。博马舍的《费加罗的婚姻》表现了农奴和贵族地主之间尖锐的斗争，费加罗的胜利意味着法国人民反封建斗争的胜利。席勒要求戏剧对当时封建社会的罪恶做出裁决，他的剧本《强盗》反对专制暴君，他在剧本第二版的扉页上写道：“打倒暴虐者！”他的另一部剧本《阴谋与爱情》也表现了德国市民和封建统治者之间的矛盾。
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美学十五讲
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巴黎圣母院
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美学十五讲
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德国斯塔夫斯蒂恩的维尔泽海利根教堂内部，1743-1772年。
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美学十五讲 18世纪下半叶到19世纪上半叶，浪漫主义运动使诗歌、特别是音乐成为艺术的皇冠。英国的华兹华斯、拜伦、雪莱和济慈、法国的雨果、俄国的普希金和莱蒙托夫都留下了不朽的诗歌名篇。德国音乐家贝多芬、波兰音乐家肖邦、匈牙利音乐家李斯特、法国音乐家柏辽兹使浪漫主义时期成为音乐史上的黄金时期。当时是对个性的内心世界特别感兴趣的时代。诗歌和音乐比其他艺术更适合表现人的情感。“音乐能够潜入人的精神的感情生活深处，能够表达无论是形象描绘还是语言都无法捉住的最细微的情绪和心灵运动的起伏，音乐具有含蓄的抒情性和感情上的紧张性……”〔16〕
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19世纪中期到19世纪末期，批判现实主义使文学（长篇小说）在各种艺术占据了核心地位。法国作家司汤达的《红与黑》、巴尔扎克的《人间喜剧》、雨果的《悲惨世界》、福楼拜的《包法利夫人》、英国作家狄更斯的《大卫·科波菲尔》、俄国作家果戈理的《死魂灵》、托尔斯泰的《安娜·卡列尼娜》都是批判现实主义的杰作。在鞭笞社会黑暗、描绘个性和社会环境的联系方面，文学比其他艺术有更广泛的可能性。艺术样式发展的不平衡与社会对艺术的特殊需要有关。
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（二）艺术体裁发展的不平衡
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在我国丰富而悠久的文化传统中，艺术发展的不平衡现象也十分明显。在文学中，汉赋、唐诗、宋词、元曲、明清小说分别是各个时代的骄子。仅就明清时期的古典长篇小说而言，体裁（按照题材而划分的体裁）发展的不平衡就是一个值得研究的现象。一般认为，明清长篇小说的发展大致经历了各有不同特点的四个阶段〔17〕。
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明初（14世纪60年代至15世纪末）为第一阶段，这是中国古典长篇小说的创立阶段。这一阶段的代表作有《水浒传》、《三国演义》、《隋唐两朝志传》、《平妖传》、《残唐五代史演义》等。它们写的都是历史题材，全是军事文学。也就是说，它们在体裁上都是描写战争的历史长篇小说。这种体裁在当时得到充分发展有其历史原因。元末大规模的农民起义，不但扩大了明初作者的眼界，丰富了生活知识和斗争经验，而且也给作者的选材以深刻的影响，使得他们所创作的长篇小说几乎都和农民起义有关。
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整个明朝中叶（16世纪）是中国古典小说发展的第二个阶段。这时候出现了不同体裁的小说，有以《西游记》为代表的神怪小说，以《金瓶梅》为代表的世情小说，以《海刚峰先生居官公案传》为代表的公案小说。题材的拓宽与社会生活的多样化有关，特别是《金瓶梅》的出现表现出长篇小说开始由反映历史走向反映现实的倾向。
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《红楼梦》、《儒林外史》和《镜花缘》是中国古典长篇小说发展的第三阶段的代表作。在这些小说里出现了积极要求个性解放、追求男女平等、反对封建礼教的主题。这显然与当时社会经济生活中出现的资本主义因素、社会思潮中民主意识的发生和发展有关。
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及至晚清（18世纪末至20世纪初），中国古典长篇小说进入最后一个发展阶段。在体裁上，主要出现了三类小说：以《官场现形记》、《二十年目睹之怪现状》、《老残游记》和《孽海花》为代表的谴责朝廷、官场和社会风气的“谴责小说”；以《三侠五义》、《儿女英雄传》为代表的侠义小说以及反对帝国主义入侵、宣扬民族思想、爱国主义和改良主义的小说。这些体裁得到优先发展，是由民族矛盾尖锐、阶段斗争激烈、中华民族处于存亡继绝的危急关头的状况造成的。
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我们在艺术世界做了一番涉猎后，能否给艺术下一个通俗的定义？或许可以说，艺术是人创造的特殊的审美价值，它反映客观现实，表现主观感情。我们说艺术是特殊的审美价值，因为它不同于人类其他活动（科学认识、劳动、交往、运动等）中的审美价值。在这些活动中，审美因素是零散的、稀释的，在艺术中，审美因素是集中的、凝聚的。因此，艺术能使人产生强烈的审美感受。艺术作为人工制品，必须具有物质载体。即使艺术是物质的实物（艺术设计产品和建筑）时，它也具有精神反映性，表现某种社会心理和时代氛围。
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思考题