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黑白搭配，一切都不错。然而，史密斯又补充了一段说明：
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与“三分法”类似，我认定在连接或中断线条的过程中，采取一般性的规则安排画面比例不失为一种好办法。例如，在框选风景时，确定天空占据画面的三分之二，或者某一事物占据三分之一，那么其他事物会占据三分之二。总而言之，三分之二的画面是一种元素（如水），另外三分之一的画面则是另一种元素（如大地）。
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几十年间，“三分法”一直被奉为艺术和摄影的黄金法则，而我们也应该利用这一法则。想想你会拍摄的人或物，然后画一条线，将画面的y轴分成3块相等的部分；然后再把x轴也分成3份，就会在画面上得到包含9个小方框的井字格，画面中有4个交叉点。
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“三分法”强调，人们会自然而然地关注这些交叉点，这些线将整个画面自然地分割开来。你可以在构图时利用观众的天性，试着将画面重点放在其中一个交叉点上，而不是放在画面的死角上。除此之外，将另一个不太重要但也引人关注的重点放置在与该点相对的交叉点上，能够有效地使整幅画面保持平衡。
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在图6-11中，我们注意到，构图时作者将主角所目视的方向和他所关注的事物——钻戒，都放在了画面网格的关键坐标上。
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图6-11 三分法
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与其他规则相同，“三分法”也已经发展成熟，并不断被人们所突破。当然，许多精彩的电影镜头也将角色放在画面的正中间。18世纪的绘画准则在今天仍然奏效：“三分法”能够创造更加悦人、更加有效的视觉信息。当然，视觉叙事不仅仅是为了创造令人赏心悦目的画面，其核心仍然是故事本身。不放尝试不同的构图，然后再看每种构图能够为你的故事带来怎样的效果。
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你会发现，即便你将人物或物体放在画面的正中间，观众的视线（人物的嘴或其他你希望观众关注的中心特征）会自动处在“三分法”的分割线上。你应该利用这一准则在相应的环境下指导镜头的画面构成。
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例如，想象你正在拍摄风景画面，大地和天空之间有一条地平线。如果你想要观众关注大地，可以将地平线放置在画面上方的三分之一处；反之，如果你想要观众关注天空，那么地平线应该放在画面下方的三分之一处。如果你将画面一分为二，天空和大地在画面中占据相同的比例，那么观众就会缺少引导，因此也更容易迷惑。
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另一个在构图过程中需要考虑的是“180度原则”。视觉语言让我们能够串联一系列单独的镜头，创造更大的故事。我们要求观众进入故事所在的世界之中，而事实上，尽管观众能够在这些画面之间通过直觉建立某些联系，但还是存在着一些维度会将观众和故事讲述的世界分离。“180度原则”就是其中的一种情况。想象一个两人场景，其中一个人正站在屏幕左边向右看，另一个人则站在屏幕右边向左看，如果这两个人在对话，他们可能是在看着对方。摄像机可以摆放在不同的位置拍摄不同的镜头，这些镜头结合起来能够创造特定的场景，但是如果摄像机摆得太偏——超过180度或者超过场景直径的一半，那么人物就会在屏幕的两边，这是十分反常的效果，会严重破坏观影效果（也会冲击观众的视觉素养）。
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这里还有几点提示。除非你意在创造不给人物一点喘息空间的感觉，否则不要挤到人物对象。在画面和人物之间留一些空间。比如，你也许需要将镜头移至人物的前额，但是通常都不要在脑袋中间的位置直接截取画面。
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同理，如果人物正面对着某一方向，你就不应该将他放在屏幕的同一侧，通过留给人物移动和凝视的空间，便可以邀请观众做同样的事情。同时，画面不应切割在人物或对象的关节处（例如膝盖），因为这会让观众产生不适感。事实上，我如果将画面取在两个关节之间，观众很容易“填补空白”，看到人物处于屏幕之外的部分，但是如果镜头切在了关节上，那么观众除了想象主角是一个缺胳膊少腿的人，很难再想象出其他的事情。
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对于每条规则，我们当然都能找到反例，这些反例有时一败涂地，有时效果斐然，但在通常情况下，这些电影中打破陈规的镜头都是专门为电影爱好者设计的，只有他们才能理解并欣赏特定的视觉故事，以及符合电影语法规范所进行的对话。
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就像我们对一个想成为即兴爵士乐手的年轻学生所说的那样，应该先学习识谱、和弦和规范，然后再大胆地打破陈规。除非你的电影瞄准了戛纳电影节的金棕榈奖，或者你决定创造自己的电影语言，否则越好地遵守这些规范，你的作品就会具备越高的素养。
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5.移动的故事：创造动作
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在此之前，我们讨论的一直都是捕捉某一瞬间的静止图像。但不知从什么时候开始，电影和动态影像与绘画、摄影的世界渐行渐远了。我们的图像将会动起来——或者至少按顺序投射在大屏幕上依次闪动，创造出动态的效果，这是电影最初的伟大幻想之一。
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移动的可能是两个不同的元素，它们或是单独出现或是组合出现。我们能够感受到画面内事物的移动（如人在移动或者气球飘在空中），也能够感受到镜头的移动，有时是机身的移动（例如摄影师向故事场景走去），有时是镜头的运动（如镜头前推或后拉）。
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每种运动都会产生不同的视觉效果。摄像机机身保持静止时，无论是有物体在镜头前移动还是镜头推拉，我们对运动的感受和实际生活中完全相同，因为摄像机就是我们的双眼，好像我们站在那里以不同的视角观看一样。当摄像机移动时，好像观众也在移动，这是完全不同的感受。
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只有镜头之前的物体移动时是最容易被观众理解的，但对这种方式的控制却需要多加考虑。此前，我们曾经讨论过人物和物体在画面中的摆放，但谈到这些物体在一系列画面中移动时，讲的就是“舞台调度”（blocking）了，这是电影艺术直接从戏剧中借用的词汇和概念。
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“舞台调度”指如何在画面中干净利落地呈现动作。为了实现这一点，你可以创造足够大的场面，在镜头中装下所有的动作，或者确保每个人都排练过，在恰当的时间和地点做出动作，并且不会跑到镜头之外。这就是“击中目标”（hitting your mark）一词的来源。
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当然，能够创造动作的不只是镜头前的事物，也包括镜头本身。当我们开始为传媒艺术实验室的新生授课时，使用的是最基本的摄像机——事实上，就连我们手中的手机也能创造出理想的效果。如果想要比上个镜头更加靠近拍摄对象，那么最简单的方法就是使用摄像机的放大功能。移动的是镜头，而不是摄像机。观众的双眼在适应自己看到的画面，但身体还是保持不动。
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如果我们的身体保持静止，但晃动脑袋，就会朝上下左右各个方向看，重新构造眼前的事物，这相当于三脚架上的摄像头朝各个方向转动。其纵向移动时称为倾斜拍摄（tilt），横向移动时称为摇摄（pan）。
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